Arte del siglo XIX



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FRANCISCO DE GOYA y LUCIENTES (1746-1828)


Goya nació en el pueblo aragonés de Fuendetodos, hijo de un modesto artista.

Se formó en el taller de Luzán, formación que completó con su viaje a Italia entre 1769-1771. Era un viaje que solían realizar todos los jóvenes artistas.

A su vuelta realizó sus primeros encargos de cierta importancia como los frescos de una de las bóvedas del Pilar de Zaragoza.

Será su cuñado Fco Bayeu, el que le introduzca en la Corte, donde se instalará definitivamente en 1775. En un principio se dedicará a la realización de cartones para la Real Fábrica de Tapices.

En 1789 será nombrado pintor de Cámara por Carlos IV y en 1792 sufre una grave enfermedad que le dejará sordo, lo que marcará un cambio en su pintura.

Tras la llegada de Fernando VII, se retirará a la Quinta del Sordo. En 1824, se marcha a Francia, muriendo cuatro años después.


La pintura de Goya

Su pintura va a evolucionar lentamente. Es una pintura espontánea, va a rechazar el academicismo, es autodidacta, no se preocupará por la perfección y la corrección.

Su pintura es subjetiva, es la pintura del sentimiento.

En vez de preferir el dibujo detallado, preferirá las pinceladas sueltas, los contornos desdibujados, los efectos de luces y sombras, la impresión que causa en nosotros un objeto visto a distancia, más que la representación exacta del objeto. Por eso, será considerado el precursor del Impresionismo.

Su pintura se va a inspirar en el pueblo, en sus costumbres, sus gentes…
-Etapa de los cartones para la R. F. de Tapices (1775-1792)

Va a realizar modelos para tapices basados en escenas populares y campestres. Estos tapices estaban destinados a decorar los palacios de El Pardo y El Escorial.

Los va a realizar al óleo sobre lienzo y su sentido es puramente decorativo.

Su estilo es estos momentos es alegre y luminoso, con un colorido rico y un dibujo seguro. Va a ser una estética cercana al Rococó.

Ejemplos de cartones serán: “El quitasol”, “Las estaciones”, “La gallina ciega”.

La boda” (1792)

Pertenecerá a la última serie de tapices que va a realizar para la Real Fábrica. Iba a estar situado en el despacho del rey de El Escorial.

En esta escena, Goya representa el matrimonio desigual y de conveniencia que criticaban los ilustrados. Así vemos al novio, feo y viejo pero muy rico, que se casa con una muchacha bella, aunque pobre. Goya presenta al novio con rasgos simiescos y vestido de llamativo color rojo en el centro de la imagen; tras él vemos al padre de la novia junto al cura, con una actitud alegre. A la izquierda está la novia, triste por su destino, junto a ella se sitúan unas muchachas que la miran con envidia y burla. En la esquina izquierda aparece un flautista, acompañado por niños tiñosos que esperan que el padrino eche las monedas, según la tradición de la época. En la otra esquina, un viejo contempla la escena, mientras un joven mira con pena a su supuesta exnovia.

Goya ha situado unos escalones en primer plano que nos distancian de la composición.

En un primer plano, aparece la escena del cortejo, más oscura, con las figuras dispuestas como en un óvalo.

En un segundo plano aparece un puente que separa la escena del fondo, una gran zona de cielo, más luminoso.

Todo esto crea sensación de espacio y profundidad.

La pincelada es suelta y el colorido rico.
-Goya retratista

El retrato del Conde de Floridablanca (1783), secretario del Despacho de Estado, le abrirá las puertas de la aristocracia y del propio rey.

Será nombrado pintor de Cámara (1789), dedicándose a pintar retratos y abandonando los cartones.

Sus retratos se caracterizarán por su penetración psicológica.


Retrato de Jovellanos”(1798)

Jovellanos fue ministro de Justicia de Carlos IV y un hombre muy influyente, cabeza de los ilustrados españoles.

En el cuadro se nos presenta a Jovellanos como ministro de Gracia y Justicia, ante su mesa de trabajo, con numerosos documentos.

Aparece en una actitud pensativa, melancólica, con la cabeza apoyada en la mano. La mesa aparece decorada con bucráneos, símbolos también de la Melancolía ( la melancolía se asociaba a la “genialidad” de los artistas).

Encima de la mesa, aparece una escultura de la diosa Minerva, para recalcar su papel de intelectual, es la diosa de la sabiduría y las artes, que protege a Jovellanos.

Predomina un colorido de verdes, dorados y grises. Hay un fuerte contraste entre luces y sombras, es una luz que proviene de la parte superior izquierda. Pincelada suelta.



La familia de Carlos IV”(1800)

Encargado por los reyes ante la llegada de Luciano Bonaparte, nuevo embajador de Francia. El retrato mostraba la rama española de los borbones, con toda su magnificencia, en torno a Carlos IV.

Se ve la influencia de “Las Meninas” de Velázquez en la composición, en la inclusión del autorretrato del pintor y en la decoración del fondo con dos cuadros. Dejando claro con esto la unión entre la dinastía de los Austria y los Borbones.

La figuras aparecen situadas como en una caja escénica, en un espacio reducido. Dispuestas en forma de friso.

En el centro del cuadro aparecen los reyes, y a su izquierda (vestido de azul) su heredero Fernando VII, estas figuras aparecen ligeramente adelantadas, destacando su importancia.

Entre los reyes aparece su hijo Fco de Paula, la reina abraza a la infanta Mª Isabel y detrás de Fernando VII aparece su hermano el infante don Carlos Mª Isidro, Al lado del heredero aparece una joven, a la que no se ve el rostro, sería la futura prometida de Fernando VII, pero al no conocerse todavía quién sería, Goya la pinta sin rostro.

A la derecha aparece la infanta Mª Luisa, con su hijo en brazos y su esposo. En un segundo plano, aparece a la izquierda la hermana del rey y a la derecha el hermano del rey. Al lado de éste aparece una mujer de perfil que podría ser la infanta Carlota Joaquina.

A la izquierda se autorretrata Goya pintando.

Destacan la riqueza de las joyas y vestidos de las damas. Aparecen vestidos a la francesa y todos aparecen llevando distintas condecoraciones.

Hay una ausencia total de idealización, típico del retrato español.

Se ve la captación de la psicología de los personajes por parte de Goya.

La pincelada es suelta. La escena fuertemente iluminada por un foco de luz que viene de la parte superior izquierda, que deja la figura de Goya en penumbra. Riqueza de colorido.

Otros retratos serán: “Los duques de Osuna y sus hijos”, “La Duquesa de Alba”.
-2ª Etapa

En 1792 sufre una grave enfermedad que le deja sordo. Su pintura se vuelve más tensa y dramática. Siente un gusto por los aspectos tristes y sórdidos de la vida.

Sus cuadros se vuelven más oscuros. Todo esto ser verá aumentado por la guerra.

El entierro de la sardina”(1812-14), frescos de la ermita de San Antonio de la Florida (1798).



La carga de los mamelucos” o “El dos de mayo” y “Los fusilamientos del tres de mayo”(1814)

Los cuadros se refieren a un hecho histórico, los acontecimientos ocurridos en Madrid los días 2 y 3 de mayo de 1808, que supusieron el estallido de la guerra contra los franceses. En 1814, ante el regreso de Fernando VII, el Consejo de Regencia, solicitó de Goya dos lienzos con escenas relativas a esos hechos, para subrayar el valor del pueblo español y en especial del de Madrid.

Las dos escenas, forman una secuencia perfectamente equilibrado en cuanto al color, la composición y la caracterización de algunos personajes.

La carga de los mamelucos”

Goya representa el combate callejero contra la caballería francesa, los mamelucos de la Guardia Imperial, que eran tropas de élite.

Los asaltantes españoles, vestidos con ropas de varias regiones, expresan la variedad del pueblo que se alzó contra los franceses.

Los fusilamientos del tres de mayo”

Goya aquí va a representar la represalia del ejército francés a los acontecimientos del día anterior. Escogió las ejecuciones de la noche del 3 de mayo, lo que confería a la escena un mayor dramatismo.

Da a la escena un encuadre fotográfico, algo muy novedoso.

Está dividida en dos grupos;

A la derecha aparece el pelotón de fusilamiento, no se les ve el rostro, deshumanizados, son como una máquina de matar.

A la izquierda, se narra la escena del fusilamiento en tres tiempos; el presente, las personas que están siendo fusiladas, el pasado, las personas que yacen muertas y el futuro, las personas que esperan para su ejecución.

Aparecen expresando distintos sentimientos; desesperación, miedo…

El centro de la composición es un hombre con camisa blanca, que muestra su heroísmo, simbolizaría el heroísmo del pueblo español, en las manos tiene unas marcas que se piensa que podrían hacer alusión a los estigmas de Cristo.

Fuerte contraste entre luces y sombras, la figura principal iluminada fuertemente por el farol que está en el suelo.

La pincelada muy suelta, se deshacen los contornos.

Los colores son oscuros; negros, ocres… salvo en el personaje principal, lo que hace que se destaque del resto.
-Etapa final

Tras la vuelta de Fernando VII, se ve desplazado de la Corte, ya que no está de acuerdo con su política. Se retira a la Quinta del Sordo (1819), una finca a orillas del Manzanares.

Allí realizará sus “Pinturas Negras”(1820-23)

Es un conjunto de 14 escenas. Se las conoce por este nombre por sus colores oscuros y negros y por lo sombrío de los temas. Decoraron dos habitaciones, en las plantas baja y alta, de la Quinta del Sordo. Utilizó el óleo y se pintaron directamente sobre los muros.

No se tiene muy claro lo que quiso representar en ellas. En 1819 Goya está a punto de morir, se cree que pudo pintar sus visiones. Aquí Goya pinta como quiere, pinta a brochazos, no se preocupa por los detalles, utiliza colores muy empastados. Sus figuras son casi caricaturas, grotescas.

Es una forma de pintar muy innovadora, que nos acerca al Expresionismo.

Dos viejos comiendo”

Saturno devorando a su hijo”
La Lechera de Burdeos”

La pinta en Francia, será una obra precursora del Impresionismo.

-Grabados

Va a mostrar en ellos la necesidad de expresar lo que lleva dentro, al margen de encargos o modas. Son creaciones surgidas por propia iniciativa del artista.

Va a realizar varias series de grabados como sus:

CAPRICHOS”(1797-99)

Serie compuesta de 80 estampas.

Serán sátiras de la sociedad y la condición humana, todavía tratadas con cierto humor y con aspectos fantásticos. Va a demostrar en estos grabados sus dotes como dibujante.

Les va a poner título, aclarándonos su significado.

Si sabrá más el discípulo!”

Linda maestra”



DESASTRES DE LA GUERRA”(1810-14)

Va a plasmar su visión particular de la violencia generada durante la Guerra de Independencia, la sinrazón, el hambre y los abusos.



TAUROMAQUIA”(1816)

Presenta la visión crítica que tenía Goya del toreo, más trágica que festiva, con la muerte presente en cada una de las láminas.



DISPARATES”(1820-22)

Los Disparates nos van a mostrar, al igual que las Pinturas negras y algunas otras obras de estos años, las primeras manifestaciones del carácter verdaderamente moderno de Goya,



Vemos una evolución que consiste en el abandono de la línea, en la perdida de precisión en el dibujo en favor de un mayor interés por los volúmenes, las masas y los efectos lumínicos y expresivos.





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