Literatura inglesa I tema 6: El teatro de Shakespeare II



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Literatura inglesa I

Tema 6: El teatro de Shakespeare II (As you like it)



6.1 Introducción a la comedia shakesperiana

La comedia shakesperiana no goza de la reputación y el aura de la tragedia por ser un género menor y la dificultad de la naturaleza del teatro, concebido como representación presencial y en el que la atmósfera es esencial. Leer la obra es una experiencia pobre. Además, el lenguaje no tiene la densidad y esplendor poéticos. El deleite está en el ingenio, humor, inteligencia, ironía y juegos de sentido, presentes en As you like it.

El análisis de esta obra muestra la versatilidad del autor que teje una comedia con elementos del género pastoril con temas más hondos. Es importante encontrar relaciones con cuestiones contemporáneas por lo que la representación es clave.

Shakespeare escribió muchas comedias pues eran populares. Abarcan todas las tradiciones vigentes, desde la New Comedy (The comedy of errors), pasando por románticas y pastoriles (As you like it) hasta mezcladas con la tragedia (Measure for measure). Todas exploran las relaciones entre los sexos, el amor es un elemento central y coexiste con otros temas, como en The merchant of Venice, donde explora la relación entre judíos y cristianos, el dinero, la ambición, la piedad y la ley.

6.1.1 Relación de las comedias de Shakespeare y fechas de su composición

Se han establecido con carácter aproximado sobre la base de elementos contextuales como su fecha de inscripción en el registro de obras o las alusiones a otros acontecimientos. Algunas aparecieron en formato quarto pero muchas no se publicaron hasta 1623 en el First Folio. La relación es: Two Gentlemen of Verona (1590), The taming of the shrew (1591), Love´s labour´s lost (1594), The comedy of errors (1594), A midsummer night´s dream (1595), The merchant of Venice (1596), The merry wives of Windsor (1597), As you like it (1599), Much ado about nothing (1599), Twelfth night (1600), All´s well that ends well (1602), Troylus and Cressida (1603) y Measure for measure (1604).

Es importante comprobar el juego de influencias entre una obra dramática y el género en que se inserta. La historia y el discurso, el tono narrativo, la peripecia y el desenlace muestran diferencias sustanciales con la tragedia.

6.1.2 Tradiciones existentes en la época de Shakespeare

6.1.2.1 La “Roman comedy” o “New comedy

La comedia latina (Plauto) contribuyó a configurar un género ya establecido en Grecia (Aristófanes y Menandro) que cobra vigor en la literatura inglesa gracias al renacimiento. La fuerza cómica y dialéctica y en énfasis en la oposición y contrastes, caracterizan las comedias más antiguas, mientras que las de Menandro son más eróticas.

Todo se combinará con las confusiones que complican la línea argumental de la comedia latina que se centra en la recuperación de algo arrebatado al principio de la acción. Esta “New comedy”, es costumbrista y se centra en la problemática de una clase media urbana y sus preocupaciones: el dinero, la propiedad, conflictos domésticos. Toma personajes “tipo” de la comedia griega y es naturalista y satírica. El interés se centra en un conflicto y cómo se resuelve. La complicación de la peripecia es la clave.

6.1.2.2 La comedia pastoril

Es otro género de comedia popular en el que coexisten un trasfondo social bucólico de la naturaleza frente a las ambiciones de la ciudad o la corte, y la peripecia y estrategias de la pérdida, recuperación, descubrimiento o anagnórisis. Esto proviene de Teócrito y Virgilio, donde se contraponía la vida rural y urbana.

Presenta una visión idealizada de la vida rural, simple, frente a la sofisticación e hipocresía de lo urbano. El contraste se presta a la crítica de los valores sociales. El tema se centra en la exploración del sentimiento amoroso en un entorno alejado de otras preocupaciones y libre de códigos sociales restrictivos. Esta libertad se relaciona con el abandono del realismo y la posibilidad de acudir a elementos maravillosos, fantasía, el mundo del romance.

6.1.2.3 Características generales de la comedia renacentista y shakesperiana

A estos elementos se añaden otros rasgos. En primer lugar, frente a la concentración temática de la tragedia, las comedias ofrecen una visión social más amplia. Las tensiones permiten explorar la diversidad de la naturaleza humana y la complejidad de las relaciones sociales en conflicto.

El tono es ligero y cómico. La intención es mostrar el peligro sin caer en él, exponiendo la irracionalidad del ser humano y las posibilidades de arrepentimiento. Se enfatiza el lado más amable de la existencia pero no se oculta el resto. El castigo se queda en la ridiculización y el premio es generoso. Los desenlaces se celebran festivamente.

El tono y tempo dramáticos suelen ser vivos. El movimiento se expresa en danzas, lenguaje chispeante, juegos de palabras, ingenio, etc. La tensión dramática se logra con juegos de oposiciones y dobles perspectivas. Los cambios son rápidos y proliferan cambios de fortuna, identidades, fingimientos, etc. Se realza el elemento de representación y abundan las coincidencias maravillosas. El objetivo es agradar al espectador cuya colaboración se requiere, la “suspensión voluntaria de la incredulidad” (Coleridge).

La tradición de celebrar festividades es antiquísima y las representaciones coincidían con festejos religiosos y populares, ritos de cambios de estación, etc. Los ritos llevaban implícitos un elemento de purga del vicio y la regeneración. No es extraño que las comedias acaben en bodas. En As you like it se nos habla de un nuevo diluvio y el arca. Se promete una vida nueva. La estructura es circular al devolvernos a la situación inicial tras la cual se ha adquirido experiencia.

Los tropos que predominan son la parodia y la ironía. La parodia exhibe el juego de tensiones entre distintas visiones de la vida y el equilibrio entre aspiraciones posibles e irreales. La ironía fustiga la obcecación. Es el instrumento para pulir la fantasía y el error. Es la concesión con que se obsequia al público al permitirle saber más que los personajes. Shakespeare explota la ignorancia de los personajes y el conocimiento del público. Los descubrimientos son paralelos a las equivocaciones, lo que intensifica la comicidad.

La estructura se organiza en torno a la perturbación del orden social natural. La peripecia gira en torno a la alteración y el desenlace procura una resolución satisfactoria. Hay un elemento crítico (correctivo del desorden) y otro utópico (la posibilidad de restauración y transformación positiva del orden inicial). Pero la dinámica es conservadora porque la perturbación es transitoria y el orden nunca se cuestiona.

En más de la mitad de sus comedias, los personajes principales de Shakespeare son arrancados de su familia o han de abandonarla y escapar a un lugar desconocido. Huyen de la usurpación por un tirano o por una tempestad. La violencia de la separación concluye en la recuperación de lo perdido.

El ámbito social es reducido. La oposición básica es la corte y un espacio alternativo donde los protagonistas se ponen a salvo y cambian para mejorar su suerte. Otros personajes también se transforman, se arrepienten, se convierten. Esto puede ser maravilloso. Los personajes son de dos tipos: protagonistas y rústicos, a quienes también se reservan papeles más cómicos o de antagonistas morales.

Uno de los personajes más característicos es el fool (Touchstone) indispensable, no necesariamente deforme sino con una mente aguda y que expresaba las verdades que los otros no podían enunciar. Representa el lado instintivo del ser humano en contraste con la sofisticación del personaje culto. Su sátira es directa pero no por ello menos acerada, detectando la hipocresía. En general, se contrapone a otro personaje (Jaques).



6.2 Estudio especial de As you like it

6.2.1 Influencias

Es una de las comedias más maduras y redondas. Pertenece a la convención pastoril y contiene un escenario natural opuesto a la corte, personajes disfrazados, exploración del tema amoroso, descubrimientos, pérdidas y recuperaciones. Temáticamente, añade la relación entre sexos, conflictos familiares y la usurpación del poder.

La tradición pastoril inglesa se desarrolló con Spenser y Sidney. Shakespeare se inspiró en Euphues golden legacy (Lodge), cuyo estilo era culto y sofisticado típico de los University Wits.

6.2.2 Fecha de composición

No se puede determinar con certeza pero consta en registro en 1600, aunque datos contextuales la sitúan en 1599: la popularidad de Robin Hood a quien se alude en la obra y la edición de Rosalynde de Lodge (1598); la apertura de The Globe (1599).

Destaca la simultaneidad con Henry V lo que demuestra la versatilidad del autor. Siempre se ha indicado la gran diferencia entre comedias y dramas históricos y se ha comprobado el universo masculino de los segundos y femenino de las primeras, aunque también hay paralelismos como el tema de la conspiración y la usurpación del poder.

6.2.3 Argumento y estructura

El argumento sigue de cerca el Rosalynde de Lodge y se completa con The tale of Gamelyn, lo que altera la obra de Lodge al acercar la preocupación del tema de la herencia familiar, en el que la legislación inglesa privilegiaba el primogénito excluyendo a los demás hermanos.

El primer acto se abre con el conflicto entre dos hermanos (Olivier y Orlando). El menor ha sido despojado de su herencia y el afecto familiar, al igual que sucede con el Duque Federico que ha arrebatado el poder a su hermano, quien ha huido al bosque de Arden. En la segunda escena Celia y Rosalind, hijas de cada duque (primas e íntimas amigas) sufren la injusticia. El Duque Federico exilia a Rosalind y ambas huyen al bosque, disfrazadas, en busca del padre de Rosalind, el legítimo duque.

El segundo acto se desarrolla en el bosque (Arden), donde han huido los proscritos: el duque legítimo, sus fieles, Orlando, Celia y Rosalind y sus criados (Adam y Touchstone). Se incorporan personajes rústicos: Silvius, enamorado de Phebe, y Audrey, enamorada de Touchstone. El duque introduce a Amiens, quien canta la bondad del campo, y Jaques, contrapunto pesimista.

En los actos tercero y cuarto tiene lugar la complicación de la peripecia y se exploran las oposiciones a través de las parejas: las de dos hermanos (Olivier y Orlando, y los duques), las dos primas, y los dos espacios sociales. Estas oposiciones van generando otras, cuando Celia se desdobla en Aliena y Rosalind en Ganymede. Éste finge ser Rosalind para un Orlando enamorado de Rosalind a quien conoció en la corte. A esto se une Phebe, que se enamora de Ganymede, quien intenta disuadirla de que se case con Silvius, y la nueva pareja, más sexual, de Touchstone y Audrey. Las relaciones amorosas pasan de las parejas al género y la pugna de sexos.



Al entrelazarse los hilos se percibe que nada es lo que parece. La seducción escénica se pone en marcha.

Esto proclama Jaques, alter ego del fool, invitando al público a reflexionar sobre la proteica naturaleza del teatro. Todos representamos un papel, nos representamos a nosotros mismos y en ese acto de reconocimiento se invita a la anagnórisis o conocimiento de uno mismo.

El quinto acto anuda el resto y resuelve las contradicciones. Incluye una apoteosis de conversiones morales, restitución de lo usurpado y reconocimiento de contrarios desafiando al realismo. Rosalind, factótum de la seducción del público, refuerza la parodia recordándole que ella misma no es quien es ni lo que parece. Por tanto; ¿qué realidad tiene lo demás?

6.2.4. El lenguaje



Alterna el verso y la prosa con predominio de ésta. El verso blanco es libre, ágil y natural. Se utiliza en momentos importantes y serios: cuando se expulsa a Rosalind de la corte, etc. El pentámetro yámbico es parodiado y Jaques se burla de Orlando cuando éste lo utiliza sin darse cuenta para dirigirse a Rosalind.

Sin embargo, la seriedad de su discurso le hacen deslizarse a Jaques hacia él. Silvius y Phebe hablan siempre en verso. Rosalind en prosa salvo cuando se dirige a Phebe. La alternancia es fluida y opcional. el lenguaje de Rosalind es ingenioso y parodia con humor los excesos de efusión romántica de la poesía amorosa de la época.

6.2.5 La dinámica de oposiciones

La obra comienza en pleno conflicto que se despliega en sucesivas oposiciones. Primero, la herencia familiar y la queja de Orlando que confía a Adam, su viejo criado, la situación. Segundo, el conflicto político en el que el duque legítimo ha sido destituido por su hermano, a través de la conversación entre las dos primas. El paralelismo público/privado es evidente. Oliver maquina la muerte de Orlando a través de una lucha y despide a Adam. Por lo mismo, el duque usurpador expulsa a Rosalind.



La corte y lo urbano se rigen por un código masculino al servicio del poder. El paralelismo se refuerza con Orlando, quien suscita la aversión de Oliver y del Duque Federico, por lo que huye. Celia y Rosalind también huyen y la primera le propone jugar a enamorarse y esperar resignadas los altibajos de la fortuna.



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