Cine, sociedad y renovación artística Cine, sociedad y



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Atom Egoyan posee el mestizaje cultural de su propia personalidad. Sus películas son herméticas, desdramatizadas, donde el espectador ha de esperar para desentrañar el misterio que poseen siempre los personajes. Se vale de imágenes de vídeo en contraste con las cinematográficas para expresar tiempos y puntos de vista diferentes y para que el espectador reflexione sobre el estatuto de la imagen.

De entre sus primeras películas destacan Next of Kin o Speaking Parts, aunque no fue muy conocido hasta El liquidador (1991). Egoyan va evolucionando en su cine hacia una narratividad más neta, sin abandonar la mirada voyeurista que disecciona el presente, como en Ararat y El viaje de Felicia.



El guionista, actor y director Quentin Tarantino llamó la atención con su primer largometraje, Reservoir Dogs, en 1992, y se consagró con Pulp Fiction* dos años después, ambas con un tratamiento distante de la violencia, incluso con elementos humorísticos. En las entregas de Kill Bill queda patente cómo el cine es la única realidad a la que remiten sus películas.

Los hermanos Joel y Ethan Coen suelen firmar, respectivamente, como director y como productor, pero ambos realizan en común sus obras desde el guión hasta el montaje. Su cine, realizado con bajos presupuestos y un equipo estable, se caracteriza por la ironía y la sátira presente hasta en los temas más comprometidos.

Dos rasgos de los Coen, las tramas criminales y gangsteriles y el tratamiento de la comedia se plasman en su primera película: Sangre fácil (1985). Entre las más renombradas están Arizona Baby, Fargo, El gran Lebowsky y No es país para viejos.

3. La nueva retórica y el barroquismo visual

La influencia del discurso televisivo en el cine actual es doble, pues proviene por un lado de los telefilmes, narraciones simplistas, redundantes y de recepción sencilla por el espectador; y por otra parte la narración fragmentaria de los anuncios y videoclips. Por tanto, el nuevo barroquismo en el cine se caracteriza por:

- montajes con la acción fragmentada en numerosos y muy breves planos

- predominio del movimiento tanto del plano como de la cámara

- encuadres rebuscados y desequilibrados

- distorsiones debidas a angulaciones y objetivos de focal corta

- amalgama de imágenes de diverso tratamiento fotográfico

- bandas sonoras alejadas del naturalismo y que propician la espectacularidad

Esta retórica está presente en relatos donde predomina la acción espectacular y la violencia, frecuentemente en el género fantástico y el de acción, pero también en el thriller y la comedia de acción disparatada. El objetivo es ofrecer al espectador un efecto hipnótico, de forma que la fascinación de la imagen sea el último motivo del acto espectatorial, al margen del interés del relato en sí mismo.



Lars von Trier trabajó en publicidad y televisión y tiene un particular estilo que se refleja en su tratamiento fotográfico manierista y que no siempre ha sido aceptado. Sin embargo se le reconoce por saber tratar los elementos espirituales y el mundo de los sentimientos.

Se dio a conocer con El elemento del crimen en 1984. Después ha rodado Europa (una fría reflexión sobre el ser europeo) y con Thomas Vinterburg elaboró el manifiesto Dogma 95, bajo cuyos preceptos rodó Los idiotas y Dancer in the Dark. Más tarde se trasladó a los USA y ha rodado una trilogía sobre el carácter nacional del país.



El Manifiesto Dogma 95 parece motivado por cierto espíritu generacional y grupal. Sus dos impulsores propusieron que las películas se rodaran en escenarios naturales, sin accesorios ni decorados y con color, luz y sonido naturales. Tampoco debía aparecer música, el relato debía tener unidad de espacio y tiempo y no se podían hacer películas de género. Con estos presupuestos se han rodado hasta un centenar de cortos y largometrajes, siendo en general obras valiosas y frescas.

Como todo manifiesto, ésta es una reacción contra una práctica que se juzga insatisfactoria y en primer lugar contra el cine industrial típico de Hollywood, que se repite hasta la saciedad. Hasta aquí comparte objetivos con los nuevos cines de los sesenta, pero Dogma 95 también rechaza el cine de autor que privilegia la voluntad artística del director y su poder demiúrgico.

Para ellos la autoría no está reñida con la voluntad mayoritaria y el respeto al espectador. Parece entonces que lo que tratan de valorar es la obra en sí, por encima de la presunta genialidad del artista o de su necesidad de gritar al mundo.

Las posibilidades de este manifiesto son limitadas, e incluso sus propios seguidores rompen las normas, pero las cosas cambian si se interpreta desde la voluntad de juego y la provocación irónica del mismo. Cualquiera que sea el resultado no puede servir sino de acicate para la creatividad: la mayor parte de las películas del cine independiente comparten los postulados esenciales de Dogma 95






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